Камерунский художник Мозес Мус (р. 1995, Маруа) работает исследует темы устойчивости, надежды и внутренней силы. Выросший на севере Камеруна в многодетной семье, он с ранних лет был окружён ремесленными практиками, которые оказали влияние на формирование его художественного языка.

Выразительная живописная манера, насыщенные тёплые цвета и контрасты света и тени в работах художника отражают его повседневный опыт жизни в Камеруне.

Произведения Мозеса передают человеческое достоинство перед лицом трудностей: моменты солидарности, сострадания и сопротивления.

Практика Мозеса Муса направлена на переосмысление стереотипов, связанных с африканским контекстом, утверждение культурного богатства и жизненной силы региона. Художник принимал участие в международных выставках в США, Нигерии, Великобритании, Швейцарии и Камеруне.

Родилась в 2000 году в Найроби.
С раннего детства, сопровождая семью в поездках по миру, Шэрон впитывала разнообразные культурные контексты и способы восприятия реальности, что впоследствии стало основой её художественного взгляда. В 2021 году она окончила Университет Найроби по специальности «интерьерный дизайн». Ещё во время учёбы она занималась портретами в технике угля, доведя её до уровня гиперреализма, а в период пандемии обратилась к темам экологии, что привело к сотрудничеству с National Geographic и Basecamp Explorer (Норвегия). Позднее художница перешла к акриловой живописи, позволяющей ей свободнее работать с идеями и метафорами. Сейчас она базируется в Kuona Arts Centre (Найроби) и активно экспериментирует с новыми материалами.

Шэрон исследует человеческую природу через образ животных — прежде всего пингвина, который начинался как автопортрет, а затем превратился в универсального персонажа, отражающего наши попытки ориентироваться в абсурдности повседневной жизни. Сатирическое сопоставление человеческих и животных моделей поведения позволяет ей переосмысливать социальные нормы, иерархии и наше место на границе между человеческим и животным мирами.

Работы Шэрон были показаны в ряде кенийских и международных институций, среди которых Christie's London, AKKA Project (Венеция), Tewasart Gallery, Nairobi National Museum, Lancaster House и Bermondsey Project Space в Лондоне.

Художница, создающая поэтичные коллажи из бумаги. Она пришла к искусству самостоятельно в 2013 году, вскоре после получения степени в области бухгалтерского учёта.

Толчком к творчеству стали рукодельные работы её матери — шитьё и вязание крючком. Эти детские впечатления пробудили в ней интерес к материалам и ручной работе. Постепенно Криста открыла для себя бумагу как живой, пластичный материал, способный хранить память, эмоции и смысл.

Её произведения представляют собой тщательно выстроенные композиции, где каждый кусочек бумаги вырезан, разорван или сшит нитями машинной строчки. Так рождается хрупкий баланс между хаосом и гармонией, между случайностью и замыслом.

В своих работах Криста исследует темы женственности, культуры и идентичности, особое внимание уделяя одежде как символу самовыражения и внутренней силы. Цвета в её коллажах всегда осмысленны: особенно часто появляется красный — как знак сопротивления, заботы о себе и свободы.

Для Кристы искусство — это не просто форма выражения, а путь к пониманию мира и самой себя. Бумага остаётся её главным языком — простым и бесконечно многослойным, как человеческие истории, из которых рождается её искусство.

Ньота Бузилу Михалина — междисциплинарная художница из Демократической Республики Конго. Она родилась в Лубумбаши, живет и работает в Киншасе. В 2024 году окончила Академию изящных искусств в Киншасе, где изучала живопись. С 2021 года художница также занимается скульптурой, стремясь соединить ее с живописной практикой и создавать гибридные формы.

В центре художественного исследования Михалины — парадоксальное соотношение тела и души, видимого и невидимого. Для художницы тело не просто материальная оболочка, а символическая поверхность, на которой отпечатываются бессознательное, эмоции и духовное измерение человеческого опыта. Ее работы исследуют двойственную природу человека — одновременно биологическую и метафизическую.

Михалина считает, что анализ языка тела способен выявить даже то, что стремится быть сокрытым.
В ее живописи внутренний мир обретает форму через повторяющиеся образы: фигуры, окутанные тяжелыми складками ткани, черепа, песочные часы, призрачные белые контуры, проступающие на насыщенном синем фоне. Эти мотивы превращают каждую работу в размышление о памяти, тяжести внутренних переживаний и конфликте между тем, что человек являет миру, и тем, что несет в себе.

Практика Михалины междисциплинарна: она работает на пересечении живописи, рисунка и скульптуры. Особый интерес для нее представляют гибридные формы, в которых живопись взаимодействует с объемом, материя — со светом, погружая зрителя в пространство между сокрытым и явленным.

Тимоти К. Гоба — художник из Ганы. В своей практике обращается к темам памяти, идентичности и восприятия реальности в современном обществе. Его произведения соотносят личный опыт с более широкими культурными и социальными процессами, а внимание художника сосредоточено на том, как формируются и меняются смыслы.

Одной из ключевых тем в практике художника становится соотношение искусства и истины. Визуальный язык Коси Гоба строится на лаконичной палитре, в которой доминируют черный, белый и золотой. Контраст этих цветов задает внутреннее напряжение произведений и подчеркивает интерес художника к исследованию подвижности границ между противоположными категориями — фактом и интерпретацией, достоверностью и вымыслом.

Джеффри Акпене Бьекро, также известный под псевдонимом «Капитан», — междисциплинарный художник, работающий в городах Кумаси и Аккра. Его практика включает живопись, скульптуру и работу с едой как художественным медиумом. Он исследует темы идентичности, памяти и человеческой связи.

Художник работает преимущественно с такими материалами, как смола, волокно и гипс. В свои композиции он включает слепки лиц и символы адинкра. Адинкра — система пиктографических знаков, традиционная для народа ашанти. Каждый символ представляет собой понятие или афоризм.

Джеффри Акпене Бьекро создает фактурные, тактильные поверхности, в которых исследует, как идентичность формируется и трансформируется внутри сообщества.

В центре практики художника — интерес к телесному и сенсорному опыту: тому, как люди соединяются через прикосновение, вкус и звук. В этом контексте единство рассматривается не как абстрактная идея, а как нечто физически конструируемое через накопление материала, символическое повторение и общие культурные коды.

Ашико Ратово — междисциплинарная художница с Мадагаскара, работающая с живописью, скульптурой и текстилем. Она окончила факультет изящных искусств в Университете Сорбонны в Париже. В своей практике художница обращается к темам памяти, идентичности, принадлежности и невидимых связей, объединяющих людей через культуры и поколения. Работы Ашико Ратово были представлены на международных площадках, включая Лувр (2025), а также в рамках проектов в Париже и Антананариву. В настоящее время художница живет и работает на Мадагаскаре.

Практика Ашико Ратово основана на убеждении, что люди глубоко связаны друг с другом через общую историю, память и эмоции, даже будучи разделенными географией, языком или культурой. Через живопись, скульптуру, текстиль и смешанные медиа она исследует невидимые нити, связывающие отдельных людей и сообщества. Работая с многослойными материалами и символическими формами, художница создает пространства, в которых сосуществуют хрупкость и устойчивость. Ее произведения обращаются к вопросам идентичности, коллективной памяти и передачи опыта.

Мендрика Рацима — мультидисциплинарная художница, работающая на стыке живописи, фотографии и цифрового искусства. Творчество для нее является пространством рефлексии и осмысления. С 2019 года в рамках проекта «Фабрика гендера» (La Fabrique du Genre) она исследует процессы самоконструирования, используя собственное тело и личную историю как поле художественного эксперимента.

В 2023 году в серии «Ателия» (Ateleia) художница углубляет это исследование, превращая человеческое несовершенство в пейзажи первозданной красоты, в которых нет места сокрытию самобытных черт.

Международное признание практика Мендрики получает в ноябре 2025 года на Всемирном фестивале культуры в Карачи. Ее проект «Боги, которых мы несем» (Les Dieux Que Nous Portons) утверждает универсальность размышлений художницы о скрытых истинах человеческой природы. В начале 2026 года Мендрика представляет серию «Тангена памяти» (Tangena De La Mémoire), вдохновленную образностью таро. Эта серия исследует наследие и коллективную память через пересобранные фрагменты истории.

алифа Мане (р. 1998, Казаманс) — сенегальский художник, чья практика соединяет живопись и коллаж. Первые художественные навыки он получил в мастерской французского художника Ле Генна, где в течение нескольких лет осваивал основы живописи. Позднее Мане поступил в Школу изящных искусств в Дакаре, однако отказался от академической траектории, выбрав независимый и принципиально свободный путь в искусстве.

В центре творчества Халифы Мане — социальная и политическая реальность современного Сенегала и, шире, африканского континента. В своих работах Мане обращается к темам социальной несправедливости, неэффективного управления, неоколониализма и разрыва между богатством континента и уязвимостью его населения.

Особое место в практике Мане занимает коллаж: художник использует бумагу, газетные вырезки и другие материалы, соединяя их с живописной поверхностью холста. Эта техника позволяет ему выстраивать многослойные композиции, в которых соединяются личный опыт и социальное высказывание.

Лесего Сеокетса — междисциплинарная художница из ЮАР. Она родилась и выросла в Ква-Тема, тауншипе к востоку от Йоханнесбурга, и сегодня живет и работает в городе Спрингс. Получив степень бакалавра в области моды в университете Stadio (ранее Lisof), она обратилась к визуальному искусству как к пространству исследования собственной идентичности и социального опыта.

Практика Лесего объединяет фотографию, коллаж и живопись. Художница работает с цифровыми изображениями, акрилом, маслом, углем и сухой пастелью, сочетая различные медиумы.

Особое место в ее творчестве занимает портрет: в живописных работах Сеокетса часто соединяет фотографические изображения с живописными фрагментами, создавая многослойный визуальный язык. В своем творчестве художница уделяет особое внимание трем темам: положению современной африканской женщины, опыту жизни в постапартеидной Южной Африке и поиску нового художественного языка для разговора об этих состояниях. Несмотря на остроту тем, к которым обращается художница, ее работы не сводятся к воспроизводству нарратива страдания. Напротив, Лесего Сеокетса говорит о формах освобождения, субъектности и самоопределения в современном африканском контексте.

Масуд Ибрагим Кибвана (р. 1988) — современный художник из Дар-эс-Салама, Танзания. Художественное образование он получил в центре Dar Youth Art (DYA), а также развивал свою практику под наставничеством известного танзанийского художника Макса Камунди.

В своей живописной практике Кибвана соединяет элементы кубизма и фигуративной живописи, обращаясь к образам, культуре и традициям народов Восточной Африки. Его работы отличает внимание к пластике фигуры, движению и сложной композиционной организации пространства.

Важное место в визуальном языке художника занимают орнаментальные и графические мотивы, отсылающие к культурному наследию региона, в том числе к традиционным узорам народа маконде в Танзании и Мозамбике. Живопись Кибваны характеризуется динамикой, переплетением фигур и выразительными цветовыми сочетаниями, выходящими за пределы привычных представлений об африканской палитре.

Многие его работы дополнены рельефными деталями по краям холста, что усиливает материальность изображения и придает композициям пространственную глубину.

Малек Саадаллах (род. 1983) — тунисский художник, чья художественная практика сформировалась в раннем возрасте. С детства он увлекался рисунком, а первую выставку провел уже в 16 лет. Его образовательный путь носит междисциплинарный характер и включает обучение графическому дизайну и изобразительному искусству в ряде учебных центров в Тунисе и Риме.

Саадаллах известен экспрессивным, интуитивным визуальным языком. Его практика строится на наблюдении за миром и изменениями человеческой природы.

Художник работает преимущественно с абстракцией, исследуя взаимодействие материи, цвета и жеста. Творчество Малека Саадаллаха часто описывают как «эстетику управляемого хаоса». Его работы изображают трансформирующееся человечество. Фигуры находятся на границе органического и механического, существуя в плотных, насыщенных линией и цветом пространствах.

Мазок в работах художника никогда не статичен: он насыщает поверхность холста, оживляя формы, которые, несмотря на ощущение дегуманизации, сохраняют сильную внутреннюю энергию

Анунсиасау — бразильский художник родом из Жакобины, штат Баия, сейчас живет и работает в Сальвадоре. Практика Анунсиасау формируется внутри этого культурного и исторического слоя. Его живопись становится своеобразным зеркалом человеческого опыта во всем его многообразии: от сцен повседневной жизни Баии до внутренних, интуитивных состояний и наблюдений. В энергии жеста и спонтанности линии ощущается резонанс с Жан-Мишелем Баския.
Анунсиасау работает с ресайклом: картоном, деревом, пластиком и строительными материалами, превращая их в художественные объекты, наполненные новым смыслом. Это обращение к материальному следу повседневности становится важной частью его визуального языка.

Анунсиасау опирается на интуицию и жизненный опыт как на основу своей практики. Его выразительные линии, смелые цвета и намеренно деформированные образы передают мощную внутреннюю энергию. От боли к любви, от радости к возмущению, от воспоминаний к ожиданиям будущего — каждое произведение становится фрагментом человеческой правды.
Анунсиасау не считает свой творческий путь завершенным: напротив, находится в постоянном процессе изменения и поиска новых форм выражения. Сегодня его практика включает живопись, печатную графику, скульптуру из переработанных материалов, фотографию, а также керамику и мозаику.